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El Viaje a la Luna (1902) - Geo Méliès / Star Film -
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La película El viaje a la Luna, es una cinta muda de ciencia ficción de 14 minutos de duración, filmada en Francia en 1902, dirigida y escrita por el pionero cineasta francés Georges Méliès. El filme fue producido en dos versiones, en blanco y negro, y coloreado a mano por Méliès en los estudios Star Film y fue exhibido por primera vez el 1 de septiembre de 1902 en Francia. La cinta está basada en las novelas, De la Tierra a la Luna, de Julio Verne y Los primeros hombres en la Luna, de H.G. Wells.
Para conseguir los actores Méliès recorrió los salones musicales de la capital francesa y para representar la gente de la Luna encontró acróbatas profesionales en el famoso Folie Bergere de Paris. Bleuette Bernon interpretó a la 'Dama en la Luna', el propio Georges Méliès actuó como 'El Profesor Barbenfouillis', Henri Delannoy fue 'El Capitán del Cohete', participó la futura esposa de Méliès, Jeanne d'Alcy; Gaston Méliès, hermano del director, colaboró en la escritura del guión. Realizar la cinta en su momento representó un exigente esfuerzo y 4 meses de filmación. |
eDurante una reunión de astrónomos, el presidente de la sociedad propone realizar un viaje a la Luna. Seis de ellos concuerdan con el plan. Construyen una capsula con forma de bala y un gigantesco cañón para lanzarla. La cara de la Luna observa mientras la capsula aterriza en uno de sus ojos. Habiendo aterrizado con seguridad, los astrónomos salen de la capsula y ven como la tierra surge en la distancia. Agotados, proceden a dormir y mientras lo hacen, un Cometa cruza por el cielo, Saturno aparece por una ventana y Phoebe, la diosa de la Luna, aparece sentada balanceándose en el cuarto creciente. Phoebe trae una nevada que despierta a los astrónomos, estos buscan protegerse en una caverna y descubren algunos hongos gigantes. Uno de los astrónomos abre su sombrilla, pero se convierte inmediatamente en uno de los hongos. Aparece un Selenita, un habitante extraterrestre de la Luna con forma de insecto, el cual muere cuando uno de los astrónomos lo golpea fuertemente. Aparecen más Selenitas que rodean a los astrónomos, los capturan y los llevan ante su comandante en el palacio Selenita. Uno de los astrónomos levanta de su trono al comandante, sosteniendolo en el aire y estrellándolo contra el suelo, haciendo que explote. Los astrónomos corren de vuelta a la capsula, la abordan para el viaje de regreso, pero un Selenita intenta atrapar la capsula en el último momento. Todos caen por el espacio, e ingresan a la tierra aterrizando en el océano, donde son rescatados por un navío y llevados luego a tierra firme.
La cinta tiene 14 minutos de duración, corriendo a unos 16 cuadros por minuto, la velocidad lograda por las imágenes en movimiento durante aquella época. La película fue muy popular al momento de su exhibición y es el más conocido de todos los filmes de fantasía realizados por Méliès. Como muchas de las películas del director, fue exhibida en versión blanco y negro, así como coloreada a mano. Una copia coloreada a mano, la única conocida que ha sobrevivido hasta nuestros días y que además podemos apreciar aquí, fue descubierta en 1993 por la Filmoteca de Catalunya y restaurada luego en el año 2010. La versión rescatada tuvo su premier el 11 de mayo de 2011 en el Festival de Cine de Cannes. El viaje a la Luna es reconocido por ser el primer filme de ciencia ficción de la historia, pues exhibe algunos de los primeros ejemplos de animación y efectos especiales, incluida la famosa toma de la nave espacial aterrizando en el ojo de la Luna.
La cinta tiene 14 minutos de duración, corriendo a unos 16 cuadros por minuto, la velocidad lograda por las imágenes en movimiento durante aquella época. La película fue muy popular al momento de su exhibición y es el más conocido de todos los filmes de fantasía realizados por Méliès. Como muchas de las películas del director, fue exhibida en versión blanco y negro, así como coloreada a mano. Una copia coloreada a mano, la única conocida que ha sobrevivido hasta nuestros días y que además podemos apreciar aquí, fue descubierta en 1993 por la Filmoteca de Catalunya y restaurada luego en el año 2010. La versión rescatada tuvo su premier el 11 de mayo de 2011 en el Festival de Cine de Cannes. El viaje a la Luna es reconocido por ser el primer filme de ciencia ficción de la historia, pues exhibe algunos de los primeros ejemplos de animación y efectos especiales, incluida la famosa toma de la nave espacial aterrizando en el ojo de la Luna.
Intolerancia (1916) - Wark Producing Corp. -
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Intolerancia, es un filme mudo norteamericano a blanco y negro de 197 minutos, escrito, producido, dirigido y editado por el genio cineasta David Wark Griffith. Fue exhibido el 5 de septiembre de 1916. Entrelaza cuatro relatos paralelos separados por varios siglos: un Melodrama contemporáneo, escenificado en 1914 sobre el crimen y la redención; una Historia judía, durante el año 27 D.C., acerca de cómo la intolerancia conduce a la crucifixión de Jesús; una Historia francesa sobre la masacre del Día de San Bartolomé en 1572; y una Historia babilónica, sobre la caída del Imperio babilónico a manos de los Persas en el 539 A.C.
Actuaron Vera Lewis, Ralph Lewis, Mae Marsh, Robert Harron y Lilian Gish quien interpretó al personaje 'La Eterna Maternidad'. Intolerancia fue realizada en parte por D.W. Griffith en respuesta a las críticas recibidas por su filme anterior, El nacimiento de una nación, del año 1915, el cual fue atacado por perpetuar los estereotipos raciales y glorificar al Ku Klux Klan, la organización secreta que propugnaba la supremacía racial blanca. |
Estas cuatro tramas son enlazadas por la imagen de una mujer que mece una cuna. A medida que las historias van llegando a su clímax, Griffith hace más rápido el montaje, alternado con secuencias cada vez más cortas, y creando una tensión hacia el desenlace de las cuatro historias. La película destaca por sus escenas grandilocuentes. Sin embargo Intolerancia tuvo grandes pérdidas, pues su éxito no fue el esperado. Y esto porque la estructura era demasiado compleja y la pretensión intelectual y moralizante de crear una reflexión abarcando toda la historia de la humanidad, fue mal entendida por quienes pedían al cine entretenimiento, intriga y emociones por encima del comentario moral.
El filme fue alabado por la crítica, aunque su mensaje pacifista fue rechazado en una Europa inmersa en la Primera Guerra Mundial y por sectores proclives al intervencionismo de la sociedad estadounidense. Sin embargo la influencia posterior de esta obra fue enorme, en partícular para el cine del constructivismo soviético en los años 20's de los cineastas Kuleshov, Vertov, Eisenstein, Pudovkin o Dovzhenko, desarrollado gracias al estudio y análisis de esta magna obra.
El filme fue alabado por la crítica, aunque su mensaje pacifista fue rechazado en una Europa inmersa en la Primera Guerra Mundial y por sectores proclives al intervencionismo de la sociedad estadounidense. Sin embargo la influencia posterior de esta obra fue enorme, en partícular para el cine del constructivismo soviético en los años 20's de los cineastas Kuleshov, Vertov, Eisenstein, Pudovkin o Dovzhenko, desarrollado gracias al estudio y análisis de esta magna obra.
Nanook el Esquimal (1922) - Robert J. Flaherty / Révillion Frères -
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El filme es un largometraje documental mudo de 78 minutos de duración, rodado en blanco y negro entre 1920 a 1921 en el ártico canadiense, en la Bahía de Hudson. Fue escrito, producido y dirigido por el explorador y cineasta Robert J. Flaherty y financiado por la compañía peletera francesa de abrigos de piel, Révillon Frères. La película tuvo su premier el 11 de junio de 1922 en EE.UU., es reconocida como el primer largometraje documental realizado en Canadá y el primero producido en la historia de la cinematografía.
La cinta contó con la participación de genuinos nativos esquimales de la tribu Inuit, quienes representaron los personajes 'Allakariallak' (Nanook), 'Nyla' y 'Cunayou', y que además ejercieron como miembros del equipo de filmación del director. Su esposa Frances Flaherty y Charles Gelb colaboraron con la edición, Pathé Exchange hizo la distribución. Aunque Flaherty fue criticado por preparar escenas de manera engañosa y hacerlas pasar como realidad, la cinta seria aclamada por la crítica y tendría un éxito de taquilla en EE.UU. y el exterior. |
En aquella época ni siquiera existía el término documental como género
cinematográfico, por lo que no es sorprendente que el largometraje de
Flaherty incluya algunos elementos de ficción, tales como el nombre verdadero del protagonista que no es 'Nanook', sino Allakariallak; sus personajes no son reales, pues se basan en la supuesta vida primitiva de los nativos Inuit. La intervención del cineasta hace que estas personas modifiquen su comportamiento habitual para encarnar los personajes que le interesa representar. Los personajes son presentados como héroes, existe acción, suspenso, escenas cómicas, un final feliz y momentos dramáticos. El iglú que aparece en la película es un iglú partido por la mitad, para poder filmar con mayor facilidad. 'Nyla', la mujer de 'Nanook', el protagonista del documental, no era la esposa de Allakariallak, sino que era la esposa esquimal de Flaherty.
En el documental, el cineasta no muestra la vida de los esquimales tal y como la veía, sino que intentó mostrar como imaginaba su modo de vida antes de ser invadidos por la cultura del hombre occidental. En sus propias palabras, sus intenciones "eran mostrar el antiguo carácter majestuoso de estas personas mientras ello aún fuera posible, antes de que el hombre blanco destruyera no sólo su cultura, sino también el pueblo mismo". De esta forma se puede considerar a Nanook el esquimal como el primer documental de la historia aunque este incluya elementos de ficción o actuación.
En el documental, el cineasta no muestra la vida de los esquimales tal y como la veía, sino que intentó mostrar como imaginaba su modo de vida antes de ser invadidos por la cultura del hombre occidental. En sus propias palabras, sus intenciones "eran mostrar el antiguo carácter majestuoso de estas personas mientras ello aún fuera posible, antes de que el hombre blanco destruyera no sólo su cultura, sino también el pueblo mismo". De esta forma se puede considerar a Nanook el esquimal como el primer documental de la historia aunque este incluya elementos de ficción o actuación.
El Acorazado Potemkin (1925) - Goskino -
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Es un filme mudo de 77 minutos de duración, rodado en la Unión Soviética en 1925, dirigido por el cineasta Serguéi M. Eisenstein, con guión de Nina Agadzhánova y Nikolai Aseyev, producido en blanco y negro por la compañía cinematográfica Goskino. Fue exhibido por primera vez el 21 de diciembre de 1925 en el Teatro Bolshoi de Moscú. La cinta se basa en hechos reales de la rebelión de marineros rusos abordo del acorazado, el 12 de junio de 1905.
El actor Aleksandr Antonov representó al marinero bolchevique 'Grigory Vakulinchuck', Vladimir Varsky interpretó al 'Comandante Golikov'; Grigori Aleksandrov fue ayudante de dirección, hizo el montaje e interpretó al 'Oficial Jefe Giliarovsky'; Eduard Tisse realizó la fotografía y Serguéi Eisenstein escribió, dirigió, hizo el montaje y además actuó como un 'Ciudadano de Odessa'. El Partido Comunista encargó a Eisenstein realizar la obra para exaltar el espíritu de la revolución bolchevique de 1917, valorando la importancia del Potemkin en la fallida revolución de 1905, y para conmemorar su 20° aniversario. |
La cinta reproduce el motín ocurrido abordo del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida, en la ciudad ucraniana de Odessa, en el Mar Negro, durante el régimen zarista de la dinastía Romanov, doce años antes de la revolución bolchevique. Los marineros del acorazado, cansados de los malos tratos y por la pésima alimentación a bordo de la nave, deciden sublevarse cuando los oficiales tratan de obligarlos a comer carne descompuesta llena de gusanos. La rebelión abordo enciende la revuelta por toda la ciudad de Odessa y repercute en el resto de Rusia.
La película se preserva hoy en su integridad. La narración fue hecha como una tragedia clásica en 5 actos: 'Hombres y gusanos', 'Drama en cubierta', 'La muerte pide venganza', 'La escalera de Odessa' y 'El encuentro de la escuadra'. La cinta es considerada como una de las más famosas de la historia, fue escogida como la mejor película del cine mundial en la Exposición Universal de Bruselas en 1958 y fue elegida como la mejor obra de la cinematografía europea de todos los tiempos, en 1990.
La película se preserva hoy en su integridad. La narración fue hecha como una tragedia clásica en 5 actos: 'Hombres y gusanos', 'Drama en cubierta', 'La muerte pide venganza', 'La escalera de Odessa' y 'El encuentro de la escuadra'. La cinta es considerada como una de las más famosas de la historia, fue escogida como la mejor película del cine mundial en la Exposición Universal de Bruselas en 1958 y fue elegida como la mejor obra de la cinematografía europea de todos los tiempos, en 1990.
Metrópolis (1927) - Universum Film AG -
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Metrópolis es una película expresionista de ciencia ficción, muda y con intertítulos, de 145 minutos de duración, filmada en Alemania en 1927 y dirigida por el cineasta Fritz Lang. Fue escrita por su esposa, Thea von Harbou, con aportes del propio Lang y producida en blanco y negro por UFA. La premier ocurrió el 10 de enero de 1927 en el Teatro Ufa-Palast am Zoo de Berlín. El filme se basa en la visión deslumbrante e hipnótica que tuvo el director cuando observó por primera vez los estilizados rascacielos de Nueva York en 1924.
La cinta tuvo la participación exclusiva de actores alemanes casi desconocidos o sin ninguna experiencia previa. Gustav Fröhlich interpretó a 'Freder' el héroe de la cinta; Alfred Abel al gobernante 'Joh Fredersen'; Brigitte Helm a la virginal 'María' y a su doble 'Maschinenmensch' el robot impostor; Eugen Schüfftan realizó los efectos especiales y Walter Schulze-Mittendorff diseñó y esculpió el robot. El guión coescrito entre Lang y von Harbou surgió originalmente de la novela de von Harbou para convertirlo en una película. |
La historia describe a una sociedad urbana futurista en una gigantesca ciudad del año 2026, donde pensadores intelectuales adinerados gobiernan desde los grandes rascacielos a la clase obrera que vive debajo de ellos, en las profundidades de la ciudad. El relato sigue a 'Freder', el hijo del gobernante de la ciudad llamado 'Joh Fredersen'. Mientras 'Freder' descansa en un jardín paradisíaco, conoce a 'María' una joven mujer quien ha traído a un grupo de hijos de trabajadores para que conozcan el estilo de vida de los ricos. Fascinado con la mujer, desciende a las profundidades de la ciudad de los obreros para tratar de encontrarla. Horrorizado, descubre el esclavizante régimen laboral que sufren los hombres allí y ve como se descompone la maquinaria que mueve a la ciudad, hiriendo a los obreros mientras trabajan. 'Freder' regresa y le cuenta a su padre sobre los peligros que enfrentan los obreros, pero este no siente simpatía por ellos o por su destino. 'Freder' regresa nuevamente a las catatumbas y remplaza a un obrero que colapsa en su puesto de trabajo, sufriendo él también los rigores del agotamiento y las alucinaciones por la dura labor. Le declara el amor a 'María' y abraza la causa de los obreros. El científico 'Rotwang', inventor y colaborador de su padre, secuestra a 'María' y la suplanta con un robot llamado 'Maschinenmensch', el cual se asemeja a ella con el fin de desacreditarla, para crear el caos en la ciudad, enloquecer a los hombres con deseo y ocasionar la desconfianza entre los obreros. Finalmente, los obreros capturan a la falsa 'María', quemándola en la hoguera y revelando su verdadera forma de robot. 'Freder' rescata a la verdadera 'María' de las garras de 'Rotwang', quien muere en el proceso y culmina declarando una tregua entre los obreros y los pensadores, uniendo el pacto con las manos de su padre y el líder obrero.
Metrópolis fue el filme más caro de la historia del cine alemán y con el tiempo resultó ser uno de los más influyentes. Pero pocos pudieron verlo como lo concibió originalmente su director Fritz Lang, pues a pocos meses de su estreno, la empresa productora decidió cortarlo sustancialmente y con el tiempo el material faltante se perdió. En algunos países sobrevivieron copias de distintas versiones que fueron sustancialmente alteradas a través de las décadas. Finalmente una copia, la más completa encontrada hasta hoy, fue descubierta en el año 2008 en el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, en Buenos Aires, Argentina. De los 151 minutos que poseía la versión original de la película, hoy se han podido salvar y restaurar 145 minutos hasta casi completar el metraje desaparecido de esta obra maestra de la cinematografía. De esa forma, la cinta ha pasado a convertirse en la más restaurada de la historia.
Metrópolis fue el filme más caro de la historia del cine alemán y con el tiempo resultó ser uno de los más influyentes. Pero pocos pudieron verlo como lo concibió originalmente su director Fritz Lang, pues a pocos meses de su estreno, la empresa productora decidió cortarlo sustancialmente y con el tiempo el material faltante se perdió. En algunos países sobrevivieron copias de distintas versiones que fueron sustancialmente alteradas a través de las décadas. Finalmente una copia, la más completa encontrada hasta hoy, fue descubierta en el año 2008 en el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, en Buenos Aires, Argentina. De los 151 minutos que poseía la versión original de la película, hoy se han podido salvar y restaurar 145 minutos hasta casi completar el metraje desaparecido de esta obra maestra de la cinematografía. De esa forma, la cinta ha pasado a convertirse en la más restaurada de la historia.
Ciudadano Kane (1941) - RKO Pictures -
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Película norteamericana de drama de 119 minutos de duración, filmada en 1941, dirigida, escrita, realizada y protagonizada por el genial director Orson Wells, y producida en blanco y negro por los estudios RKO Pictures. El filme esta basado de manera no oficial en la vida del magnate norteamericano de los medios periodísticos, William Randolph Hearst
Herman J. Mankiewicz y Orson Wells escribieron el libreto, la cinta ganó el premio Óscar al mejor guión original y se convirtió en la ópera prima de Wells. Se la considera una obra maestra de la cinematografía, ha sido alabada por su innovación musical, la fotografía y estructura narrativa. El estudio le dio libertad a Wells para hacer el guion, escoger el reparto y el equipo de rodaje, algo poco frecuente para un director novato. |
El relato examina la vida y el legado de 'Charles Foster Kane', el personaje interpretado por Wells y esta basado en la vida del multimillonario William Randolph Hearst, así como en la del propio Orson Wells. Durante el estreno de la cinta, Hearst prohibió mencionar la película en sus periódicos. En la trama, la carrera de 'Kane' en la industria editorial nace del idealismo y del servicio social, pero evoluciona gradualmente en una implacable búsqueda por el poder. Narrada principalmente a través de flashbacks, la historia se relata por medio de la investigación de un periodista que desea conocer el significado de la última palabra que dijo el magnate antes de morir: Rosebud. Era el nombre que tenía el trineo de hielo con el cual Kane jugaba en el invierno cuando era un niño de apenas 8 años, el juguete que quería y tuvo que abandonar el día que heredo 60 millones de dólares a tan corta edad. El trineo representa en su subconsciente la simplicidad, la comodidad, la falta de responsabilidades en su hogar y el amor de su madre, el cual Kane jamás perdió. La historia no trata sobre como un hombre obtiene su dinero, si no, que hace con su dinero durante toda su carrera como un industrial de los medios periodísticos. Así, un hombre que posee tanto dinero y no tiene preocupaciones para obtener más, naturalmente deseará usarlo para ejercer el poder e imponer su voluntad sobre la voluntad de sus propios compatriotas.
La película fue un éxito entre la crítica, pero Ciudadano Kane fracasó en recuperar su inversión en la taquilla. El filme cayó en el olvido poco después de su lanzamiento, pero su reputación mejoró después, primero en Europa con la crítica francesa y más tarde con su reestreno en Norteamérica en 1956. Hoy existe de alguna forma un consenso entre la crítica mundial, que afirma que Ciudadano Kane es la mejor película que se ha rodado en la historia del cine.
La película fue un éxito entre la crítica, pero Ciudadano Kane fracasó en recuperar su inversión en la taquilla. El filme cayó en el olvido poco después de su lanzamiento, pero su reputación mejoró después, primero en Europa con la crítica francesa y más tarde con su reestreno en Norteamérica en 1956. Hoy existe de alguna forma un consenso entre la crítica mundial, que afirma que Ciudadano Kane es la mejor película que se ha rodado en la historia del cine.
Rashōmon (1950) - Daiei Film Co., Ltd. -
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Rashōmon es una cinta de crimen y drama de 88 minutos de duración, filmada en Japón en 1950, dirigida por el afamado cineasta Akira Kurozawa, con guión de Kurozawa y Shinobu Hashimoto, producida en blanco y negro por los estudios Daiei Film Co. Fue exhibida por primera vez el 25 de agosto de 1950 en Japón. El filme está basado en dos historias del escritor japonés Ryūnosuke Akutagawa: La puerta de Rasho, que proporciona el escenario y En un bosque, que aporta los personajes y la trama.
El filme contó con la participación de un pequeño grupo de actores japoneses; Toshiro Mifune interpretó al bandido 'Tajōmaru'; Machiko Kyō a la 'Esposa' y Masayuki Mori a su esposo 'el Samurái'. Kazuo Miyagawa realizó la cinematografía y Fumio Hayasaka compuso la música. La cinta se rodó en solo tres escenarios: la puerta de Rashōmon, el bosque y el patio de juicios. Kurozawa obtuvo poco presupuesto de la casa productora para realizar la película porque inicialmente sus directivos pensaron que era un proyecto casi imposible de realizar. |
El filme muestra la violación de una mujer y la muerte de su esposo samurái a través de diversos y variados testimonios de cuatro testigos diferentes: el bandido violador, la esposa, el samurái muerto (quien habla a través de un médium) y el aserrador, último testigo que parece tener una opinión más objetiva y menos sesgada que los otros personajes. Las historias parecen contradictorias entre si y ni siquiera la versión testimonial final desmotiva el interés del público con su carácter egocéntrico.
Hasta los propios actores le preguntaron en el set a Kurozawa ¿Cuál de los personajes era el que decía la verdad? lo cual según el cineasta, no era el objetivo principal del filme, pues él deseaba que la cinta fuese una exploración de múltiples realidades en vez de la exposición de una sola verdad en particular. Rashōmon fue filmada directamente bajo la luz solar. En las tomas de los actores, Kurozawa deseoso de emplear luz natural, utilizó espejos para reflejarla y hacer como si la fuente de luz solar hubiese atravesado las ramas del bosque y dado de lleno en los actores. También aprovechó algunos trucos técnicos empleando lluvia teñida con tinta negra porque los lentes de las cámaras no podían capturar la lluvia creada con agua pura.
Hasta los propios actores le preguntaron en el set a Kurozawa ¿Cuál de los personajes era el que decía la verdad? lo cual según el cineasta, no era el objetivo principal del filme, pues él deseaba que la cinta fuese una exploración de múltiples realidades en vez de la exposición de una sola verdad en particular. Rashōmon fue filmada directamente bajo la luz solar. En las tomas de los actores, Kurozawa deseoso de emplear luz natural, utilizó espejos para reflejarla y hacer como si la fuente de luz solar hubiese atravesado las ramas del bosque y dado de lleno en los actores. También aprovechó algunos trucos técnicos empleando lluvia teñida con tinta negra porque los lentes de las cámaras no podían capturar la lluvia creada con agua pura.
The Searchers (1956) - C.V. Whitney Pictures -
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La cinta The Searchers es una película norteamericana de 119 minutos de duración filmada en 1956 (en español titulada, Más corazón que odio). Estaba basada en la novela homónima de Alan Le May sobre los eventos reales de secuestros de niños por parte de indígenas a mediados del siglo XIX. La película fue dirigida por el cineasta John Ford, con guión de Frank S. Nugent y producida a color por Cornelius Vanderbilt Whitney Pictures, el primero de tres filmes realizados por la productora. Para su campaña de promoción la distribuidora Warner Bros. produjo uno de los primeros 'detrás de escenas' en la historia del cine.
La cinta contó con John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Natalie Wood y Ward Bond. Fue rodada en espectaculares escenarios naturales como Monument Valley, en los estados de Arizona y Utah. El filme se destaca de los demás westerns realizados por el director durante su extensa carrera cinematográfica, debido a su excelencia técnica, la cual seria de notable influencia posterior para las cintas del género de acción y ciencia ficción. |
'Ethan' un veterano soldado del ejército Confederado regresa a la casa de su hermano en Texas en 1868 después de haber luchado en la guerra civil norteamericana; poco después durante el periodo de las guerras indias en Texas toda la familia de su hermano resulta asesinada por los indios Comanches, y sus sobrinas 'Debbie' y 'Lucy' son raptadas. Jura rescatar a sus sobrinas y matar a todos los indios que intervinieron en el acto criminal. Durante cinco largos años persigue a los Comanches acompañado de su sobrino 'Martin'. En ese periodo logran encontrar a 'Lucy' muerta, y aparentemente violada, en un cañón cerca de un campamento indígena. Un par de años después descubren a 'Debbie' quien ya es una adolescente; es la esposa de 'Scar', un jefe indígena y se ha convertido en una Comanche. 'Debbie' sostiene un encuentro con ellos a las afueras del campamento indio y les pide que se vayan sin ella, pues se siente indígena ahora. 'Ethan' prefiere verla muerta primero que convertida en una Comanche, e intenta matarla; 'Martin' se interpone y en medio de la acción un indígena hiere a 'Ethan' con una flecha. Ambos logran huir y 'Martin' ayuda a curar a 'Ethan' aunque esta contrariado con él por haber intentado matar a 'Debbie'. Posteriormente un oficial del ejército de la Unión les indica la ubicación del nuevo campamento de 'Scar' donde esta 'Debbie'. 'Martin' se infiltra en el campamento y recupera a 'Debbie' quien esta vez si acepta el intento de rescate. En el proceso 'Martin' mata a 'Scar', e 'Ethan' le corta el cuero cabelludo. Finalmente 'Ethan' se lleva a 'Debbie', la entrega a su familia y se retira en la distancia en una de las escenas finales más memorables de la cinematografía.
Las espectaculares secuencias de acción de la cinta fueron en su tiempo revolucionarias por su concepto fotográfico y su edición veloz, fomentando la sensación de ritmo con el empleo eficaz de la música y la banda sonora. Además, el uso de la voz en off, la profundidad de campo y otros recursos narrativos, contribuyeron a la aceleración del relato y a su fluidez, tanto que aún hoy el filme sigue atrapando espectadores y agradando a las audiencias. La importancia de estos aportes no fueron fácilmente apreciados en su momento; como resultado la película sólo obtuvo un modesto éxito de taquilla y escasa crítica positiva. Sin embargo, con el paso del tiempo ha llegado a ser considerada una de las películas más importantes y admiradas de la historia del cine debido a su variedad, la profundidad temática y a su notable influencia en filmes como la saga de La guerra de las galaxias, o en cintas como Taxi driver, Lawrence de Arabia, o Apocalipsis ahora. Desde su estreno a nuestros días, se ha convertido en una obra maestra de la cinematografía y actualmente se lo considera como el más grande western de la historia y una de las películas que más influencia ha tenido en el cine.
Las espectaculares secuencias de acción de la cinta fueron en su tiempo revolucionarias por su concepto fotográfico y su edición veloz, fomentando la sensación de ritmo con el empleo eficaz de la música y la banda sonora. Además, el uso de la voz en off, la profundidad de campo y otros recursos narrativos, contribuyeron a la aceleración del relato y a su fluidez, tanto que aún hoy el filme sigue atrapando espectadores y agradando a las audiencias. La importancia de estos aportes no fueron fácilmente apreciados en su momento; como resultado la película sólo obtuvo un modesto éxito de taquilla y escasa crítica positiva. Sin embargo, con el paso del tiempo ha llegado a ser considerada una de las películas más importantes y admiradas de la historia del cine debido a su variedad, la profundidad temática y a su notable influencia en filmes como la saga de La guerra de las galaxias, o en cintas como Taxi driver, Lawrence de Arabia, o Apocalipsis ahora. Desde su estreno a nuestros días, se ha convertido en una obra maestra de la cinematografía y actualmente se lo considera como el más grande western de la historia y una de las películas que más influencia ha tenido en el cine.
Yo Soy Cuba (1964) - ICAIC / Mosfilm -
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Yo soy Cuba es una película de 141 minutos de duración, filmada en Cuba en 1964, dirigida por el cineasta ruso Mikhail Kalatozov, con guión de Enrique Pineda Barnet y Yevgueny Yevtushenko, producida en blanco y negro por los estudios ICAIC de Cuba y Mosfilm de la Unión Soviética. Fue exhibida por primera vez en 1964 y reestrenada 30 años más tarde, el 8 de marzo de 1995 en el Film Forum, en Nueva York, EE.UU. Tras el triunfo de la revolución cubana el gobierno castrista se asocio con el soviético, quienes interesados en promover el socialismo, acordaron financiar la cinta sobre la revolución.
La producción cubano-soviética tuvo un gran elenco de actores cubanos para interpretar los diversos roles en las cortas historias del filme; actuaron Sergio Corrieri y Salvador Wood, José Gallardo y Raúl García, Luz María Collazo y Jean Bouisse; Serguey Urusevsky hizo la fotografía y Raquel Revuelta 'la voz de Cuba'. Kalatozov obtuvo mucha libertad para completar la película y contó con la amplia colaboración de ambos gobiernos. |
La película consiste en 4 historias cortas que relatan el sufrimiento del pueblo cubano y que reflejan distintas emociones. En medio de las historias, una narradora representando a 'la voz de Cuba' hace una alegoría descriptiva del estereotipo con el cual se observa al país y lo que son en realidad los cubanos. En la primera historia se muestra a las masas indigentes de Cuba en contraste con la opulencia y esplendor de los casinos estadounidenses en la isla, y la cruda realidad de la prostitución. La segunda historia relata como un campesino que cultiva la granja pierde la cosecha cuando el dueño de la tierra le pide que se vaya, pues se la va a vender a la United Fruit Company, lo que motiva al campesino a incendiar la parcela por la pérdida de su esfuerzo y muere en la conflagración. La tercera historia describe la represión que sufren los estudiantes en la Universidad de La Habana por parte de las fuerzas de seguridad del Estado. En la cuarta y última historia se muestra a los granjeros ayudando a la guerrilla revolucionaria que desciende desde la Sierra Maestra, para finalmente hacer su entrada triunfal a La Habana y proclamar el triunfo de la revolución.
Kalatozov empleo película infrarroja para exagerar el contraste de los claros y los oscuros. Muchas de las tomas fueron hechas con extremo gran angular y con la cámara pasando muy cerca de los sujetos. Lo más sorprendente de la cinta y que deslumbra a la audiencia, son sus proezas técnicas y las largas tomas de varios minutos de duración, logradas por un contingente de camarógrafos ubicados sobre complicados entramados, rieles y cables colgantes que permiten trasladar la cámara, de mano en mano, por encima de desfiles, subiendo por paredes de edificios, sumergiéndose en el agua, atravesando cuartos llenos de gente, saliendo por ventanas y permaneciendo suspendida en el vacío. En su momento, la cinta no fue bien recibida por el público de ambos países. Fue criticada en La Habana por mostrar una visión estereotipada de los cubanos y en Moscú por ser muy ingenua y poco revolucionaria. El filme fue completamente olvidado hasta que fue redescubierto en 1992 cuando el novelista cubano Guillermo Cabrera Infante exhibió una copia en VHS con subtítulos, en el Festival Fílmico Telluride, para una retrospectiva sobre el cineasta soviético. Algunos directores norteamericanos como Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, maravillados con la obra, iniciaron una campaña para restaurar el filme. La película se conserva hoy en su integridad con unos 141 minutos que fueron restaurados en 1994 por la empresa norteamericana Milestone Films, de Nueva York, quienes adquirieron los derechos de distribución de la cinta a Mosfilm de Rusia. El filme se constituye en el primer largometraje de ficción realizado colaborativamente entre Cuba y la extinta Unión Soviética, el cual sin ser explícitamente un documental propagandístico, se destaca por ser admirablemente hermoso y uno de los más fabulosos que se hayan realizado.
Kalatozov empleo película infrarroja para exagerar el contraste de los claros y los oscuros. Muchas de las tomas fueron hechas con extremo gran angular y con la cámara pasando muy cerca de los sujetos. Lo más sorprendente de la cinta y que deslumbra a la audiencia, son sus proezas técnicas y las largas tomas de varios minutos de duración, logradas por un contingente de camarógrafos ubicados sobre complicados entramados, rieles y cables colgantes que permiten trasladar la cámara, de mano en mano, por encima de desfiles, subiendo por paredes de edificios, sumergiéndose en el agua, atravesando cuartos llenos de gente, saliendo por ventanas y permaneciendo suspendida en el vacío. En su momento, la cinta no fue bien recibida por el público de ambos países. Fue criticada en La Habana por mostrar una visión estereotipada de los cubanos y en Moscú por ser muy ingenua y poco revolucionaria. El filme fue completamente olvidado hasta que fue redescubierto en 1992 cuando el novelista cubano Guillermo Cabrera Infante exhibió una copia en VHS con subtítulos, en el Festival Fílmico Telluride, para una retrospectiva sobre el cineasta soviético. Algunos directores norteamericanos como Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, maravillados con la obra, iniciaron una campaña para restaurar el filme. La película se conserva hoy en su integridad con unos 141 minutos que fueron restaurados en 1994 por la empresa norteamericana Milestone Films, de Nueva York, quienes adquirieron los derechos de distribución de la cinta a Mosfilm de Rusia. El filme se constituye en el primer largometraje de ficción realizado colaborativamente entre Cuba y la extinta Unión Soviética, el cual sin ser explícitamente un documental propagandístico, se destaca por ser admirablemente hermoso y uno de los más fabulosos que se hayan realizado.
2001: Odisea del Espacio (1968) - Metro Goldwyn Mayer -
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Filme norteamericano de ciencia ficción de 160 minutos de duración filmado en 1968, dirigido por el genial cineasta Stanley Kubrick con guión del propio Kubrick y el escritor Arthur C. Clarke, basado en la novela de 1948 El centinela, del mismo escritor. Fue producido por los estudios Metro Goldwyn Mayer y tuvo su premier mundial el 6 de abril de 1968 en el Cinerama Theatre Broadway en Nueva York. La trama se centra en un equipo de astronautas que sigue las señales acústicas emitidas por un extraño monolito hallado en la Luna y parece obra de una civilización extraterrestre.
La banda sonora incluyó música clásica de los compositores Richard y Johann Strauss. La dirección y diseño de los efectos visuales fueron obra de Kubrick y supervisados por Wally Veevers. La cinta marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales, su realismo científico y sus proyecciones vanguardistas. También se constituyó en la película más costosa de la historia ajustada a la devaluación actual y la que más tiempo de rodaje tomo con 4 años de filmación. |
La cinta se divide en cuatro partes definidas: El amanecer del hombre, Anomalía magnética Tycho no. 1, Misión a Júpiter y finaliza con Júpiter y más allá del infinito. Relata cómo hace millones de años, antes de la aparición del homo sapiens, sus ancestros los
primates descubren un monolito que los induce a un estado de
inteligencia superior. Millones de años más tarde, otro monolito similar,
enterrado bajo la superficie de la Luna, despierta el interés de los científicos. Por
último, durante una misión de una nave espacial tripulada de la NASA al planeta Júpiter, la computadora de abordo HAL 9000, una máquina dotada de
inteligencia artificial, sufre cambios imperceptibles de comportamiento aparentemente inducidos por otro monolito que flota en una órbita del planeta joviano y pasa de esta forma a controlar todos los sistemas de la nave espacial, apagando el soporte de vida y propiciando con ello la muerte de todos los tripulantes excepto al comandante de la misión.
Aunque la historia narrada en el filme se ocupa de diversos temas, este se centra en dos cuestiones fundamentales, la evolución de la conciencia y el contacto con civilizaciones extraterrestres. En un inicio la cinta recibió críticas polarizadas, destacándose sobre todo sus efectos visuales y su abstracción de la trama, lo que los críticos tomaron como uno de los puntos débiles de la película. Pero en la actualidad es considerada una de las cintas más aclamadas de la cinematografía norteamericana y mundial. Inspiró en su momento a muchas personas a seguir carreras científicas afines con la astronaútica, la astronomía y la tecnología de la informática. Sus efectos especiales y sus vanguardistas elementos tecnológicos fueron un modelo a seguir para las películas y novelas del género de la ciencia ficción que le siguieron después.
Aunque la historia narrada en el filme se ocupa de diversos temas, este se centra en dos cuestiones fundamentales, la evolución de la conciencia y el contacto con civilizaciones extraterrestres. En un inicio la cinta recibió críticas polarizadas, destacándose sobre todo sus efectos visuales y su abstracción de la trama, lo que los críticos tomaron como uno de los puntos débiles de la película. Pero en la actualidad es considerada una de las cintas más aclamadas de la cinematografía norteamericana y mundial. Inspiró en su momento a muchas personas a seguir carreras científicas afines con la astronaútica, la astronomía y la tecnología de la informática. Sus efectos especiales y sus vanguardistas elementos tecnológicos fueron un modelo a seguir para las películas y novelas del género de la ciencia ficción que le siguieron después.
El Padrino (1972) - Paramount Pictures -
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El filme es un largometraje norteamericano de 175 minutos de duración rodado en 1972, dirigido por el célebre cineasta Francis Ford Coppola con guión de Mario Puzo, basado en la novela homónima del mismo escritor. Fue producido por Albert S. Ruddy y los estudios Paramount Pictures. Tuvo su premier nacional en EE.UU. el 15 de marzo de 1972. La cinta relata la historia ficticia de una familia del crimen en Nueva York durante los años 40's y 50's.
El casting escogido por Coppola fue muy controvertido por los ejecutivos del estudio. Aún así logró reunir a verdaderos genios de la actuación como Marlon Brando, Robert Duval, James Caan y jovenes desconocidos como Al Pacino y Robert De Niro. En el filme participan algunos familiares del director como su propio padre Carmine Coppola y su hermana, la reconocida actriz Thalia Shire. A pesar que el director estuvo varias veces a punto de ser despedido por el estudio durante el rodaje, la película se convirtió en la mas taquillera de ese año y rompió los récords como una de las que obtuvo mayores ganancias en la historia del cine. |
Un inmigrante siciliano, 'Vito Corleone', apodado 'Don
Corleone' o El Padrino, es la cabeza de la familia Corleone, una de las
cinco familias que ejercen el mando de la mafia, La Cosa Nostra, en la ciudad de Nueva York durante el año 1945. 'Vito' se
entrevista con 'Virgil Sollozo' un siciliano traficante de heroína protegido
por la familia Tattaglia, rivales de los Corleone. 'Sollozzo' le pide financiar
su negocio de heroína y abrir el comercio de drogas en la ciudad, proporcionándole
un porcentaje de las ganancias. A pesar de la opinión favorable de 'Tom Hagen'
su consiglieri, el consejero de la familia Corleone y el de su hijo mayor 'Sonny Corleone', El Padrino se niega, pues sus contactos en la política no van aceptar el vicio de la droga
como lo hacían antes con el juego y la prostitución. La negativa propicia el intento
de asesinato de 'Don Corleone' por parte de 'Sollozzo' y los Tattaglia. El
Padrino es baleado en el mercado y es llevado al hospital muy malherido.
'Michael Corleone', el hijo menor y predilecto de 'Vito', héroe de guerra y
el único de la familia con educación universitaria, visita a su padre en el
hospital y ve que está desprotegido. El capitán de la Policía 'Mark McCluskey', un
oficial corrupto al servicio de 'Sollozzo' ha retirado la seguridad del hospital.
'Michael' logra cambiar a su padre de habitación y protegerlo de los asesinos.
Frustrado ante el fallo del plan de asesinato, 'McCluskey', golpea a 'Michael'
desfigurándole el rostro. Más tarde 'Michael', para vengar la afrenta, acuerda un encuentro con 'Sollozzo' y 'McCluskey'
en un restaurante y los mata a ambos. Tras este doble asesinato, 'Michael' huye exiliándose en Sicilia y se da inicio a una guerra entre las familias mafiosas de Nueva York durante ese periodo.
'Don Vito' regresa convaleciente al hogar y se entera que 'Michael' esta en el exilio. 'Sonny' muere acribillado por los hombres de Tattaglia en el peaje de la carretera y 'Michael', recientemente casado en Sicilia, sufre la trágica muerte de su amada esposa 'Apollonia' en un atentado urdido en su contra. Ambos atentados son planeados por 'Emilio Barzini', el jefe de una de las cinco familias y quien cuenta con el apoyo de los Tattaglia para hacerse con el control total de la ciudad. Se pacta una reunión entre las cinco familias. 'Vito' renuncia a vengar la muerte de 'Sonny', reclama el regreso a salvo de 'Michael' y cede su protección política y policial para cubrir el tráfico de drogas, que se acuerda realizar de forma honorable sin afectar a los jóvenes de las escuelas del país. 'Philip Tattaglia' y 'Vito Corleone' estimulados por 'Don Barzini' sellan el pacto con un abrazo de paz. 'Michael' regresa a EE.UU. y reemplaza a su padre como jefe de la familia y se convierte en el nuevo Padrino. 'Don Vito' se retira, pasa a convertirse en su consejero y le advierte que después de su muerte, 'Barzini' intentará acabar con él. 'Michael' espera terminar la venganza contra 'Barzini' y los Tattaglia tras la muerte de su padre. Al fallecer este de muerte natural, 'Michael' ordena asesinar a los cuatro Dones de las familias rivales, además de los miembros traidores de su propia familia como 'Salvatore Tessio', viejo colaborador de su padre y 'Carlo Rizzi', el esposo de su hermana 'Connie Corleone'. 'Kay Adams', la esposa de 'Michael', engañada por largo tiempo sobre las ocultas actividades mafiosas de su esposo, finalmente se da cuenta de la verdadera naturaleza de 'Michael' cuando este recibe las muestras de respeto de varios amigos mafiosos, quienes lo saludan como el nuevo Padrino y se convierte así en el hombre más poderoso de la Cosa Nostra en Estados Unidos.
'Don Vito' regresa convaleciente al hogar y se entera que 'Michael' esta en el exilio. 'Sonny' muere acribillado por los hombres de Tattaglia en el peaje de la carretera y 'Michael', recientemente casado en Sicilia, sufre la trágica muerte de su amada esposa 'Apollonia' en un atentado urdido en su contra. Ambos atentados son planeados por 'Emilio Barzini', el jefe de una de las cinco familias y quien cuenta con el apoyo de los Tattaglia para hacerse con el control total de la ciudad. Se pacta una reunión entre las cinco familias. 'Vito' renuncia a vengar la muerte de 'Sonny', reclama el regreso a salvo de 'Michael' y cede su protección política y policial para cubrir el tráfico de drogas, que se acuerda realizar de forma honorable sin afectar a los jóvenes de las escuelas del país. 'Philip Tattaglia' y 'Vito Corleone' estimulados por 'Don Barzini' sellan el pacto con un abrazo de paz. 'Michael' regresa a EE.UU. y reemplaza a su padre como jefe de la familia y se convierte en el nuevo Padrino. 'Don Vito' se retira, pasa a convertirse en su consejero y le advierte que después de su muerte, 'Barzini' intentará acabar con él. 'Michael' espera terminar la venganza contra 'Barzini' y los Tattaglia tras la muerte de su padre. Al fallecer este de muerte natural, 'Michael' ordena asesinar a los cuatro Dones de las familias rivales, además de los miembros traidores de su propia familia como 'Salvatore Tessio', viejo colaborador de su padre y 'Carlo Rizzi', el esposo de su hermana 'Connie Corleone'. 'Kay Adams', la esposa de 'Michael', engañada por largo tiempo sobre las ocultas actividades mafiosas de su esposo, finalmente se da cuenta de la verdadera naturaleza de 'Michael' cuando este recibe las muestras de respeto de varios amigos mafiosos, quienes lo saludan como el nuevo Padrino y se convierte así en el hombre más poderoso de la Cosa Nostra en Estados Unidos.
Los Duelistas (1977) - Paramount Pictures -
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Esplendorosa cinta de drama histórico de 100 minutos de duración, rodada en Aquitania y en Dordoña, Francia.
Tuvo su premier el 31 de agosto de 1977 en Francia. Fue dirigida por el genial director británico Ridley Scott y está basada en el cuento corto El duelo, del escritor Joseph Conrad.
El filme fue producido por Paramount Pictures; el guion fue de Gerald Vaughan-Hughes; Keith Carradine representó a 'Armand D'Hubert' y Harvey Keitel a 'Gabriel Feraud'. La película se convirtió en el primer largometraje filmado por el director quien provenía del mundo publicitario. Tuvo un costo inferior a un US$ 1 millón de dólares pero ganó multitud de premios incluyendo el galardón a mejor cinta debutante en el Festival Fílmico de Cannes en 1977. |
La historia se inicia en el año 1800, época durante la cual Napoleón Bonaparte ha ascendido al poder en Francia. Durante un momento de quietud en medio de las guerras napoleónicas, en el destacamento militar de Estrasburgo dos oficiales franceses se confrontan, el teniente 'Gabriel Feraud' le exige disculpas al teniente 'Armand D'Hubert' al sentirse ofendido por lo que él considera un insulto, lo cual inicia una enemistad de por vida entre ambos oficiales haciendo que se enfrenten a duelo en 5 ocasiones diferentes durante un periodo de 15 años. Mientras pasa el tiempo y se desarrollan las campañas militares por toda Europa, los dos guerreros van ascendiendo la jerarquía del ejército y cruzan palabras de tanto en tanto en un intento por lograr justicia y preservar su honor. Ambos oficiales ya han alcanzado el rango de general y son veteranos del gran ejército napoleónico cuando en 1815 Bonaparte es derrotado en Waterloo y enviado a su exilio definitivo en la isla de Santa Helena. Esto causa que en Francia los Bonapartistas como Feraud sean perseguidos y encarcelados. D'Hubert al conocer sobre la condena a muerte que el nuevo gobierno ha dictado para Feraud, pide su perdón ante el legendario ministro de la policía Joseph Fouché, petición que le es concedida. D'Hubert pide además a Fouché que su intervención a favor de Feraud sea mantenida en total secreto y que este nunca lo sepa.
Finalmente Feraud descubre la ubicación de D'Hubert quien vive semi-retirado en su casa de campo y se ha alejado del Bonapartismo. Le envía a sus testigos y prepara un último duelo, esta vez con dos pistolas para cada uno. Durante el duelo, Feraud realiza sus dos disparos y queda a merced de D'Hubert, quien harto de soportar la intransigencia y el acoso de Feraud durante tantos años y aún con un tiro a su disposición en la pistola, decide no matarlo, convirtiéndose por las reglas de honor entre los caballeros, en 'dueño de su vida' y por tanto lo sentencia diciéndole que lo declara 'muerto' y que de allí en adelante su vida le pertenece y le debe el honor de dirigirse a él como un 'hombre muerto'. De esta forma, la temática del filme se hace evidente: como el honor está en juego, este se define con un duelo por las armas, el florete, la espada o la pistola. El duelista demanda satisfacción pues el honor para él es un apetito y debido a ese apetito la historia de la cinta se define como una excéntrica y compulsiva forma de hambre.
Finalmente Feraud descubre la ubicación de D'Hubert quien vive semi-retirado en su casa de campo y se ha alejado del Bonapartismo. Le envía a sus testigos y prepara un último duelo, esta vez con dos pistolas para cada uno. Durante el duelo, Feraud realiza sus dos disparos y queda a merced de D'Hubert, quien harto de soportar la intransigencia y el acoso de Feraud durante tantos años y aún con un tiro a su disposición en la pistola, decide no matarlo, convirtiéndose por las reglas de honor entre los caballeros, en 'dueño de su vida' y por tanto lo sentencia diciéndole que lo declara 'muerto' y que de allí en adelante su vida le pertenece y le debe el honor de dirigirse a él como un 'hombre muerto'. De esta forma, la temática del filme se hace evidente: como el honor está en juego, este se define con un duelo por las armas, el florete, la espada o la pistola. El duelista demanda satisfacción pues el honor para él es un apetito y debido a ese apetito la historia de la cinta se define como una excéntrica y compulsiva forma de hambre.
The Shawshank redemption (1994) - Castle Rock Entertainment -
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El filme es un drama de 142 minutos de duración titulado en español como Sueños de libertad, o en algunos países como La redención. Tuvo su premier el 10 de septiembre de 1994 en el Festival Filmico Internacional de Toronto. Fue dirigido por Frank Darabont y basado en la novela Rita Hayworth y la redención de Shawshank, del escritor norteamericano Stephen King quien co-escribio el guion junto con el director.
Tim Robbins tuvo el rol protagónico del banquero sentenciado 'Andy Dufresne' y Morgan Freeman el papel de 'Red', su mejor amigo y narrador de la película. Aunque el filme fue nominado con múltiples premios ese año, no obtuvo ningún trofeo frente a colosales producciones que recibieron los galardones esa temporada. Con el tiempo resultó siendo escogida por el público en Internet como la mejor película de la historia, sobrepasando a la siguiente en preferencia, la cinta El padrino, de Francis Ford Coppola. |
En 1947 el vicepresidente de un banco, 'Andy Dufresne', es condenado a cadena perpetua en la penitenciaria 'Shawshank' por el asesinato de su esposa y de su amante. Allí lo recibe el director de la cárcel, 'Samuel Norton', quien apoyándose en la palabra de la biblia dirige un régimen de terror con la complicidad de sádicos carceleros que maltratan físicamente a los internos y abusan psicológicamente de ellos, en especial el malvado 'Byron Hadley', el comandante de los guardias. 'Andy' se destaca por ser un hombre de fino porte, sereno e imperturbable lo cual atrae la atención de 'Red', el veterano recluso que es capaz de conseguir y comerciar cualquier tipo de cosas dentro de la cárcel. 'Red' ha pasado veinte años en el penal acusado por asesinato y con el tiempo se convierte en el mejor amigo de 'Andy'. Durante sus primeros años en prisión uno de los reclusos sodomitas de la prisión pone sus ojos sobre 'Andy' acosándolo y violándolo frecuentemente con mucha brutalidad. 'Red' le consigue a 'Andy' un martillo de geólogo y un póster de la actriz Rita Hayworth para colgarlo en su celda; a medida que pasan las décadas ira reemplazándolo sucesivamente por el de la actriz Marilyn Monroe y posteriormente con el de Raquel Welch. Tiempo después 'Andy' obtiene la confianza de los guardias de la prisión y aprovecha una oportunidad para ofrecer ayuda con sus conocimientos financieros en la declaración de impuestos del comandante 'Byron Hadley'. Desde ese momento cambia radicalmente su situación, convirtiéndose en el sujeto culto y preparado, indispensable para los corruptos intereses económicos del alcaide 'Norton' quien aprovechándose de su cargo en aquel establecimiento penitenciario, lo usa para llevar la doble contabilidad de sus turbios negocios y defraudar los impuestos. Por un lado, 'Andy' goza de la protección del director, mientras que por otro, se ve sometido y obligado a la fuerza para continuar ayudando a 'Norton' a cubrir sus delitos. Por ese motivo el alcaide impide que se sepa la historia de la inocencia de 'Andy' cuando surge un reo testigo que conoce la verdad. Sin embargo, 'Andy' no dejara de soñar en alcanzar su objetivo, el cual cumplirá en 1966, al escapar del penal de 'Shawshank' a través de un túnel oculto por el afiche de la actriz en la pared de su celda y excavado secretamente durante casi veinte años con su martillo de geólogo y huir así a México para vivir tranquilamente en el pueblito de Zihuatanejo, en la costa del Océano Pacífico.
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